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 He llegado al final de mi recorrido, por ahora... y me encuentro en el mejor país de América latina: Colombia.  Les contaré de algunos personajes que han llevado el nombre de nuestro país en alto y representan algo importante para la cultura de nuestra nación.

 Comenzaré hablando de la pintura y la escultura.  La figura que sobresale y estarán de acuerdo conmigo es el pintor, dibujante y escultor colombiano Fernando Botero, trabajo en el que la monumentalidad, el humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con un admirable dominio del oficio y gran talento. Nacido en Medellín en 1932, inicia su actividad artística como ilustrador del periódico El Colombiano. Años más tarde viaja a España y sigue estudios en la Academia de San Fernando de Madrid, al tiempo que asiste al Museo del Prado donde estudia y copia la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya. Viaja luego a Francia e Italia.  Su trabajo recorre todos los rincones del mundo y el tratamiento exagerado en sus proporciones de la figura humana es hoy una de las características inconfundibles de su obra, que ha sufrido pocas variaciones desde sus comienzos. En la actualidad vive entre París, Nueva York y Bogotá.

Bueno y hablando de literatura, no podemos sino referirnos al más grande novelista colombiano: Gabriel Garcia Marquez.  Nacido en Aracataca en 1928.  Estudió derecho y periodismo en la universidad Nacional e inició sus primeras colaboraciones periodísticas en el diario El Espectador.

A los veintisiete años publicó su primera novela, La hojarasca, en la que ya apuntaba los rasgos más característicos de su obra de ficción, llena de desbordante fantasía. A partir de esta primera obra, su narrativa entroncó con la tradición literaria hispanoamericana.  Comprometido con los movimientos de izquierda, Gabriel García Márquez siguió de cerca la insurrección guerrillera cubana hasta su triunfo en 1959. Amigo de Fidel Castro, participó por entonces en la fundación de Prensa Latina, la agencia de noticias de Cuba. García Márquez escribió una de las novelas más importantes de la literatura universal del siglo XX, Cien años de soledad. Obra en la que trabajo más de 20 años.

Gabriel García Márquez obtuvo el Premio Nobel de literatura en 1982 y pocos años más tarde luego de vivir en España, regresó a América Latina, para residir alternativamente en Cartagena de Indias y Ciudad de México, debido sobre todo a la inestabilidad política del país.

Ahora vamos a hablar de uno de los representantes más importantes de nuestra arquitectura: Rogelio Salmona.   Entre los datos de destacar de este arquitecto, mencionare que trabajo en el estudio de Le Corbusier en París, tras haberle conocido durante la visita que Le Corbusier hizo a Colombia en 1947. De regreso a Colombia, continuó sus estudios en la Universidad de los Andes, donde obtuvo el título de arquitecto en 1962. Aunque recibió influencias del maestro belga, su obra se orientó hacia el conocimiento de la tradición de su país.

Utilizó materiales autóctonos, como el ladrillo típico de la región de Bogotá, y adecuó su arquitectura al paisaje y la luz colombiana. En 1970 diseñó para el BCH el conjunto residencial Torres del Parque, sobre el costado oriental de la Plaza de Toros de Santamaría, en Bogotá; las tres torres marcaron un hito en la implantación de una obra contemporánea en el contexto urbano y en el manejo esmerado de formas y materiales, en especial del ladrillo, que llegaría a tener una influencia innegable en la arquitectura colombiana.

Entre sus obras podemos encontrar: La Casa de Huéspedes Ilustres, en Cartagena, El Centro Jorge Eliécer Gaitán, de Bogotá, El Museo Quimbaya en Armenia, La sede de la Fundación FES en Cali, El Archivo General de la Nación y el centro comunal en Santa fe de Bogotá. Entre sus últimos proyectos sobresale la biblioteca Virgilio Barco de Bogotá, inaugurada en 2001. Dos años más tarde, Salmona fue galardonado con el premio Alvar Aalto, otorgado por la Asociación Finlandesa de Arquitectos (SAFA).

Entre las artes más recientes en Colombia encontramos el cine y uno de sus principales exponentes en la actualidad es Ciro Guerra.  Nacido en Río de Oro, Cesar en 1981. Cursó estudios de cine y televisión en la Universidad Nacional de Colombia. Ha dirigido varios cortometrajes argumentales y además, fue director de fotografía del premiado cortometraje "Terminal" en 1999.   

La sombra del caminante, su primer largometraje, participó en más de sesenta festivales (entre ellos, Cannes, Tribeca, Seúl, Bangkok, Seattle, Río de Janeiro y Guadalajara) y obtuvo numerosos reconocimientos nacionales e internacionales. Los viajes del viento, su segundo largometraje, fue seleccionado por el Festival Internacional de Cine de Cannes (Un Certain Regard) y por el Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián (Horizones Latinos), y recibió este año los premios India Catalina a Mejor director y mejor película colombiana, actualmente la película recorre los principales festivales de cine a nivel mundial llevando consigo la cultura Caribe colombiana, el vallenato, cuatro lenguas (entre ellas Español, Wayunaiky, Ikn - Arhuaco y Bantú) y algunos de los sitios más hermosos de nuestro país. Cabe mencionar que además de todo es mi hermano y estoy muy orgullosa de él.

Y como no hablar de música. Tan variado como es nuestro país, así lo es nuestra música, sin embargo, han sido varios artistas que se han encargado de darla a conocer al mundo:

Shakira: Nació en Barranquilla y es la cantante colombiana más reconocida a nivel mundial, ganadora de varios premios Grammy. El género que la caracteriza es el pop latino e ingles y algunas de sus canciones más escuchadas son: te vas, Antología, Pies descalzos, Donde estas corazón, Estoy aquí, Ojos así, Suerte.

Carlos Vives: Carlitos como lo llaman popularmente los colombianos nació en Santa Marta y logro universalizar el vallenato, un ritmo típico de la costa Caribe Colombiana, ganador de varios premios Grammy. Entre sus trabajos están: La gota fría, La tierra del olvido, Fruta fresca, Déjame entrar, El amor de mi tierra.

Aterciopelados: Andrea Echeverry y Héctor Buitrago lograron fusionar el rock con ritmos de la tierra, ganadores de varios premios Grammy. Sus canciones: Bolero Falaz, Florecita rockera, Baracunatana, No necesito, Cosita seria.

Juanes: Juan Esteban es de Medellín y después de la disolución de Ekhymosis empezó su carrera como solista fusionando ritmos Colombianos con instrumentos clásicos y de rock, ganador de varios premios Grammys.

Toto la Momposina: Es la cantante de ritmos folklóricos Colombianos mas conocida a nivel mundial.

Niche: Es el grupo mas de salsa más popular en Colombia.

Coro Unab: Es de destacar la labor que ha realizado el coro de nuestra universidad a nivel nacional e internacional llevando nuestra música y nuestro folklor a diferentes certámenes y recibiendo variadas distinciones como: Festival Internacional de Coros D'Canto que se realizó en junio de 2006 en Isla Margarita (Venezuela) y en el Certamen Internacional de Coros Trelew (Argentina) en septiembre de 2007. Festival Internacional de música de Cantonigros en España (2 lugar categoría coros mixtos) en julio de 2009, Certamen de  Habaneras y Polifonía en Torrevieja, España (Premio especial a la mejor interpretación de una pieza del lugar de origen) en Julio del 2009 y el premio Nacional del programa Jóvenes Interpretes del Banco de la República en el 2009.

Así como el coro Unab, existen diversas agrupaciones nacionales que se han preocupado por extender la música en el mundo, algunas de ellas radicadas en esta ciudad.

A manera de resumen quiero destacar la utilización de la música en nuestro país como parte de las ceremonias religiosas, fiestas y reuniones que se dio a raíz de la mezcla de la música española, africana, etc. Y que provocó una fusión de ritmos los cuales le han otorgado a Colombia una rica heterogeneidad musical. Entre los ritmos más conocidos destacan la salsa, el vallenato y la cumbia.

Para concluir este recorrido quiero destacar también como aporte cultural a nuestro país el arte precolombino. Sabemos de él por los trabajos en oro de las antiguas culturas indígenas considerados como los mejores del continente americano. El oro fue utilizado en la elaboración de pieza de joyería, anillos para la nariz, brazaletes o coronas y como utensilios y ofrendas para las ceremonias rituales. La mejor muestra del trabajo en oro precolombino es la famosa Balsa Muisca, una pieza en hoja de oro que representa al cacique cargado de oro en una barca junto a los remeros, antes de bañarse en la laguna de Guatavita. También son famosos los Tunjos, gordas figuras de oro que representan a feroces guerreros. Por otro lado destacan los trabajos de la cultura Tolima con sus pectorales planos, que describen sencillas figuras humanas, así como los poporos de la cultura Quimbaya, recipientes con un alargado cuello donde se maceraba la hoja de coca.

En cuanto a la artesanía, después de la conquista, los indios incorporaron en sus trabajos las técnicas españolas pero manteniendo sus ancestrales motivos, diseños y modelos. La gran variedad de plantas y materiales existentes en la región, contribuyeron a la diversidad de artesanía en la que destacan los trabajos en cestería, tejidos y alfarería. Las cestas se encuentran en numerosas medidas, formas y colores. Los tejidos, de gran calidad, evolucionaron enormemente gracias a la lana de oveja introducida por los españoles. El departamento de Boyacá es el principal fabricante de artesanías de todo el país.

Bueno mochileros... Espero hayan disfrutado tanto como yo este recorrido. Nos vemos en una próxima oportunidad!

Hola de nuevo, amigos mochileros... espero que su recorrido vaya igual de interesante que el mío.  Hoy me encuentro en Brasil y les comentare algunas cosas que descubrí de su interesante arte y cultura.  Bienvenidos!

Comenzare hablándoles sobre la Pintura en Brasil.  Los primeros pintores de la época colonial fueron los misioneros jesuitas y benedictinos, quienes pintaron iglesias, claustros y objetos sagrados bajo la influencia del estilo barroco europeo. El arte barroco brasileño tiene su culmen en el siglo XVIII, cuando la abundancia de oro atrajo a numerosos artistas que mostraron su talento creando bellos trabajos. En los siglos XIX y XX los artistas brasileños siguieron las tendencias internacionales del neoclasicismo, romanticismo, impresionismo, academicismo y modernismo.

En cuanto a pintores de estilo autóctono, destacan las obras de Victor Meirelles y Rodolfo Amoedo. Pero centraremos nuestra atención en el trabajo de Tarsila do Amaral, pintora y dibujante nacida en Sao Paulo quien se destaca por su trabajo dentro y fuera del país.  Tarsila profundizó en la temática nacional, ilustro el libro de poemas Pau-Brazil, pintó Abaporu, lienzo que inspira el movimiento antropofágico, entre otros trabajos de resaltar.

De la escultura contemporánea se distinguen los trabajos de María Martins, Bruno Giorgi y Victor Brecheret, que han alcanzado renombre mundial. En cuanto a las diferentes piezas e instrumentos del arte indígena, éstas tenían, en sus orígenes, finalidades religiosas o utilitarias. Sin embargo, después de los primeros contactos con los extranjeros, los indígenas fueron transformando sus creaciones de acuerdo a la demanda de los comerciantes, quienes percibían en su artesanía un cierto valor para vender en las principales ciudades. Se destacan los trabajos realizados con las plumas de diferente aves, la cerámica, como la de los indios Marajó o Carajás o la cestería de los Kaxinawá.

Quisiera nombrarles el trabajo de un sacerdote y artista que ha alcanzado renombre por su representación de la cultura afro-brasileña, su nombre: Mestre Didi.  Como escultor, escritor, ensayista y curador, Deoscoredes M. dos Santos es la interfaz entre los vivos y los muertos. Si, por un lado, su arte es un rayo de luz sobre los mitos y tradiciones, su palabra en los de una capa de santidad.

La sabiduría de la Bahía Mestre Didi se transmite de manera efectiva a través de una extensa producción de esculturas, que le valió el reconocimiento internacional como un artista de vanguardia. Sus obras son parte del Museo Picasso de París, el MAM de Salvador y Río de Janeiro, entre muchos otros museos extranjeros. Sus formas hechas con las cuentas, depósitos, encajes, cuero y hojas de palma se inspiran en los mitos, leyendas y objetos de culto a las deidades.

En cuanto a la arquitectura brasilera, son numerosas las edificaciones que han sido proclamadas por la UNESCO como patrimonio de la Humanidad.

Probablemente la ciudad de Olinda, en el Estado de Pernambuco, sea el mejor ejemplo de la arquitectura colonial, sin olvidar el Centro Histórico de Salvador de Bahía, considerado como uno de los más finos ejemplos de la arquitectura portuguesa de la época colonial. Por otro lado, en Minas Gerais, en Ouro Preto, se encuentra la pieza maestra del arquitecto Antonio Francisco Lisboa, conocido como "Aleijadinho", en la Iglesia del Buen Jesús, siendo el mejor exponente de la época dorada del barroco brasileño. Los restos de las misiones jesuitas del siglo XVII en Río Grande do Sul, en las fronteras entre Brasil, Argentina y Paraguay son un notable ejemplo del trabajo en madera, mientras que el centro urbano de Brasilia ha sido considerado por la UNESCO como una de las mejores muestras de la arquitectura moderna brasileña. En Manaus, no en vano llamada el "París de los Trópicos", sobresalen el Teatro Amazonas, el Complejo Flotante del Muelle, el Palacio de Justicia, de influencia francesa o la Secretaría de Seguridad en la Plaza de la Saudade, entre otros.

Y estarán de acuerdo conmigo en que de las artes, la música es la que más y mejor representa a este país. Brasil es sinónimo de ritmo. Donde quiera que vaya encontrará gente escuchando música, cantando o bailando. Tal vez el origen se encuentre en las profundas raíces africanas, donde la música es un acto colectivo, una celebración y una fiesta. Los ritmos brasileños presentan una gran diversidad, gracias a la influencia ejercida por los tres continentes. Influencias que se han mezclado y que han provocado nuevos ritmos.

Comenzaré hablándoles de lo que es el Choro o conjunto típico que consistía en guitarra, cavaquinho y flauta,  popularizado por el famoso Joaquim Antìnio Calado. Cualquiera que sea el origen del término choro, sabemos que los choros eran reuniones de gente de clase media baja en las que músicos se reunían a tocar por el placer y por comida y bebida. El hecho es que nunca se trató, históricamente, del único género tocado por los grupos de choro. Se tocaban polkas, valses y tangos brasileros; el género no estaba bien definido.

El choro es esencialmente instrumental y en general se lo asocia, con razón, a toda la música instrumental brasileña. Esta es una característica lo que lo separa de todos los otros géneros populares brasileños. El choro es probablemente conocido por una parte del público europeo a través de las composiciones de Heitor Villalobos quien compuso un cierto números de choros de carácter erudito. El mismo fue un tocador de choros y un guitarrista conocedor de las formas populares.  

 Pasaré ahora a mencionarles algunos de los ritmos que son representativos dentro de la cultura brasilera:

La Samba: es una mezcla de ritmos boleros con ritmos africanos.  Es el ritmo más popular de Brasil que hizo su aparición, por primera vez, en el Carnaval de Río en el año de 1917. Los años 30 fueron los años dorados de este ritmo, quien tuvo en Carmen Miranda, a su mejor representante. Muchos investigadores apuntan a ritmos como el "maxixe", el "lundu" y la "modinha" como fuentes que, cuando se mezclaron, dieron origen a este ritmo. Con el pasar del tiempo la samba se desarrolló creando diversas ramificaciones y muchos otros nombres importantes en la música brasilera: samba canción, samba del nuevo estado, samba de breque, samba partido alto, samba-choro, etc.

El Bossa Nova: tiene sus orígenes en los años 50. Más que un estilo musical se trata de un movimiento con carácter de intelectualidad y con un nuevo planteamiento en la forma de cantar y de tocar los instrumentos. Su fundador fue Joao Gilberto, seguido de Jobim, el compositor de la famosa pieza "La Chica de Ipanema".  El refinamiento musical, principalmente en la armonía y la instrumentación, diferenciaba al bossa nova de todo lo que se había hecho musicalmente en Brasil. Los toques sutiles en la guitarra, los acordes y disonancias, los arreglos sofisticados de este nuevo estilo musical, no solo impresionan mucho pero también satisfacen plenamente el público más joven y más informado de la clase media brasilera.

El Tropicalismo: surgido al final de los años 60, provoca una especie de indulto para todas las tradiciones musicales del pasado. En este ritmo se mezclan todos los ritmos. La Música Popular Brasileira, paralela a todas estas propuestas musicales, es difícil de clasificar dada la variedad de influencias recibidas. Sus máximos exponentes son Chico Buarque, quien mezcla los tradicionales ritmos de samba con ritmos modernos, Paulinho da Viola o Milton Nascimiento.

En cuanto a la Música Regional esta es muy diversa y variada. Destaca, en el noreste, el forró, una extraña mezcla de ritmos mexicanos y ritmos locales que incorpora el acordeón europeo, la armónica y la zabumba, el "trío eléctrico" el carimbó, la música del Amazonas, el Afoxé, ritmo negro de origen religioso y muy cercano al Candomblé o la Lambada, entre los ritmos más recientes.

Quiero mencionar también otra esfera importante dentro de la cultura Brasilera y me refiero al ámbito religioso.  Bien sabemos que Brasil es reconocido por diversidad de cultos y prácticas religiosas que tienen que ver con sus antepasados y el legado que les fue dejado.

En la zona de Caribe y Brasil, la religión de los siervos conservó muchos más elementos de sus creencias africanas animistas, ocultas por las versiones populares de la religión de sus amos o integradas con ellas. Las más extendidas de estas  creencias son el Vudú, en Haití, el Camdomblé, en Brasil, y la Santería en Cuba.

La mayoría de los esclavos llevados a las colonias portuguesas, españolas y
francesas del Caribe tenían unos ritos en los que se sacrificaban
animales y se comían algunas partes de la víctima. Por tanto, fue fácil
para estos africanos asumir el rito sacrificial de la misa. Los dioses y
diosas de sus creencias fueron enseguida identificados con algunos santos
católicos que tenían algunas características semejantes. El Camdomblé, un
culto que nació ilegal, es ahora una religión reconocida cuyo principal
contenido, aunque tenga elementos católicos deformados, son danzas de posesión espiritual que conducen a estados de trance.

 El Camdomblé recoge una serie de creencias africanas practicadas por los
esclavos de Brasil en el siglo XIX, sobre todo en la región de Bahía. En el
sureste del país se llama Macumba y en Río de Janeiro, Umbanda. El término
camdomblé se refiere al grupo de devotos y el lugar donde celebran los
ritos y danzas. En algunos casos, los esclavos liberados que regresaban a
Africa y se iniciaban como intermediarios con los espíritus volvieron a
Brasil llevando estos poderes. Son, sobre todo, mujeres mayores.

Básicamente en el Candomblé, el médium siente la fuerza y las vibraciones de Orixás, que son netamente energía de la naturaleza, no son entes, sino elementos creados por Olorún. No hay incorporaciones de espíritus en esta religión. El candomblecista realiza la consulta de adivinación, usando exclusivamente el juego de caracoles de mar (jogo de Buzios). Esta religión utiliza para conectarse con los reinos animal y mineral y con los elementos de la naturaleza ofrendas, ebós, rituales africanos y Orôs (rezos).

Bien Mochileros espero les haya parecido interesante, ya casi finalizó mi viaje así que los espero en la próxima y última estación, mi hermoso país llamado COLOMBIA... Hasta la próxima!

Aquí les dejo algunos enlaces: el primero, video del carnaval de Rio de Janeiro y el segundo un tema coral llamado Jubiabá que habla de los ritos y manifestaciones de la religión Candomblé... disfrútenlos!

http://www.youtube.com/watch?v=K3mYDwRTALo&feature=PlayList&p=C9B06A7ECA13B098&playnext=1&playnext_from=PL&index=4

http://www.youtube.com/watch?v=metdkLkgdAc

Hola Amigos... Ya estamos en Venezuela y les contare algunos datos interesantes sobre su cultura, su arte y su música.

Cuando hablamos del arte y la cultura popular en Venezuela encontramos que reflejan la interesante mezcla de razas y culturas presentes en el país. Cada región tiene su música, artesanía, gastronomía y costumbres características. Por esta razón, no se puede decir que exista una manifestación única de cultura popular, al contrario, son muchas y muy variadas.

La cultura popular venezolana evoluciona desde las raíces indígenas, españolas y africanas. En dicho contraste y especificidad encontramos legado cultural y artístico precolombino de diversas etnias indígenas, con su arte rupestre, cestería, alfarería y una rica tradición oral a la cual se sumó el extraordinario aporte lingüístico, arquitectónico, de artes decorativas, pintura, orfebrería y mobiliario de los conquistadores y colonizadores españoles.

Hablando de la música: El baile nacional, el joropo, y sus respectivos instrumentos populares, tales como el cuatro, el arpa y las maracas, se asocian a los modos de vida del llanero; igualmente, en el litoral central la influencia africana se refleja en los bailes, acompañados de tambor y otros instrumentos de origen africano.

Entre los músicos venezolanos de ámbito popular y folclórico se han destacado Soledad Bravo, Simón Díaz o la Serenata guayanesa. En el apartado de música clásica son reconocidos José Ángel Lamas, representante del clasicismo venezolano, Cayetano Carreño, compositor de música religiosa durante la colonia, y su nieta María Teresa Carreño, además de José Antonio Abreu, Modesta Bor o Sebastián Díaz Peña.

En cuestión de orquestas, desde la creación en 1930 de la Orquesta Sinfónica Venezuela, se han fundado un sinnúmero de orquestas, entre otras la Orquesta Nacional de la Juventud Venezolana "Simón Bolívar" y la Orquesta Filarmónica Nacional. Es de resaltar la labor del sistema nacional de orquestas juveniles e infantiles de Venezuela creadas por el director José Antonio Abreu, con más de 110.000 jóvenes y niños participando en el programa.

En el ámbito de la pintura, esta aparece con la llegada de la influencia española. Al principio las pinturas eran traídas de España, pero posteriormente se inicia una combinación de pinturas locales e importadas.  El período colonial produjo una gran cantidad de pintores venezolanos. En el siglo XIX, el pintor más famoso fue Juan Lovera.  Durante la época republicana, grandes obras de tipo épico conviven con el tema retratista y costumbrista. En el siglo XX, Muchos pintores se hicieron conocidos a través del Círculo de Bellas Artes.  Entre las tendencias de mediados y finales del siglo XX encontramos la pintura épica, la pintura abstracta, el taller libre de arte, el arte cinético, el arte realista, entre otros.

En cuanto a la escultura, Venezuela cuenta con representantes de arte religioso en tallas como el Nazareno de San Juan, obras fundidas en bronce como: el monumento para conmemorar la Batalla de Carabobo, el monumento al Dr. José María Vargas, la estatua de José Antonio Páez, entre otros.  Casi todos los escultores venezolanos muestran cierta tendencia naturalista en sus obras, estilo que imperaba en Europa.

La arquitectura venezolana es principalmente ecléctica porque se intenta armonizar los sistemas constructivos criollos y los diversos sistemas y formas arquitectónicas provenientes de otros países; es así como se conjugan elementos del Gótico, del Barroco colonial, con los del Neoclásico y otros estilos que caracterizan las construcciones en todo el país, desde el punto de vista formal y del uso: construcciones públicas y privadas exhiben este eclecticismo sin llegar a conformar un estilo propio o bien definido.

Bueno amigos.... Seguiremos nuestro recorrido, en otro de los países más hermosos de Latinoamérica: BRASIL!!! Allá nos vemos!!!

 Hola Mochileros.... Ahora me encuentro en Cuba investigando algunas cosas interesantes de su cultura.

Comenzare contándoles de la Cerámica cubana y para ello iremos a los inicios de los años 50 desde donde inicia el arte de piezas decoradas que aún se conservan en museos de arte cubano.  En esta década y a raíz del desarrollo arquitectónico, el trabajo de la cerámica comienza a tomar fuerza en cuba a partir de la decoración de espacios como murales. 

En la actualidad no existe una escuela de cerámica cubana, sin embargo existen algunos pocos talleres de arte en cerámica.  Entre los ceramistas cubanos encontramos pintores, dibujantes, arquitectos. Ellos sintieron la llamada del barro y el modelado, y practicar el arte de la cerámica  significó un gran esfuerzo por no contar con talleres oficiales.

En los últimos años los ceramistas han hecho gala de una mirada crítica del ser humano y del contexto social, por eso tienden a plasmar la realidad mediata e inmediata en sus obras.   A pesar de ser llamada aún la Cenicienta de las artes plásticas en Cuba, la cerámica cubana goza de buena salud gracias al esfuerzo y talento de los artistas.

Pasando a Otra esfera del arte, les contare algo del arte de la calle en Cuba: Durante los años 80's un movimiento de arte plástico invadió las calles de cuba sacudiendo el mundo cultural conocido y donde literalmente los artistas se tomaron el espacio público.  El nombre del movimiento: Arte Calle.  Ofill Echavarría fue uno de los principales representantes. 

Por aquellos años Arte Calle tuvo un significado desde un punto de vista social, y otro desde un punto de vista intelectual, o para la élite del arte. A las personas en la calle, que no sabían qué estaba sucediendo en las galerías, los carteles (graffittis), y la pintura agresiva en las paredes, que aparecían en lugares céntricos de La Habana, les llamaría la atención en diferentes maneras.  

Para los artistas e intelectuales esencialmente jóvenes, que ya venían trabajando en diferentes áreas, como un enorme movimiento lleno de matices, donde todo era bueno e importante, Arte Calle (un grupo de muchachos que estudiaban en la elemental de arte) significaba el futuro mismo, donde todas las puertas por fin se abrirían y donde todas las mentes estarían preparadas para aceptar cualquier cosa nueva.  A estos artistas no les interesaba el dinero o el beneficio comercial solamente mostrar la frescura de la juventud y la rebeldía ante los conceptos del entorno social.

Llendo a otro item, hablaremos ahora un poco del diseño grafico cubano, arte que tuvo un espacio importante en Cuba, espacio donde desde muy temprano las artes gráficas y la propaganda alcanzaron un desarrollo que paulatinamente resultaría impetuoso.  Al ser cuba hija adorada de España y beneficiada por EEUU, recibió de ambas partes del mundo estilos de diversos consumidores y técnicas que las convirtieron en un centro cosmopolita importante y desde el punto de vista del grafismo no se detuvo su aspecto comercial.

En las líneas del grafismo cubano han entrado nuevos talentos, surgidos de escuelas y con una formación plural más completa, y talentos ya "hechos" que aportaron su experiencia. Participaron pintores, algunos con la habilidad y la ductilidad que esta labor requiere. En la actualidad, luego de períodos de grandes hallazgos y profundos declives, de atravesar crisis económicas que mermaron la producción de libros, revistas y carteles, y de un conductivismo empobrecedor de la creatividad, el arte gráfico cubano se recompone y busca nuevos horizontes. Su salud peligra por un persistente drenaje de talentos, competidor de la reposición, también persistente. Asiste a un dilema de permanencia, imprescindible para desarrollar métodos y oficios, aunque dispone de las fuentes contrapuestas y plurales, confrontaciones que lo enriquecen e impiden la rutinaria reducción de los hallazgos. El diseño cubano ha pasado algunos temporales y tiene a su favor períodos dorados.

Por último les hablare de la música cubana, tal vez de las artes, la más reconocida en este país a nivel mundial por su sonoridad.

Luego de sus inicios a mediados del siglo dieciocho, y su formalización y desarrollo durante el diecinueve, la música cubana literalmente explotó con gran fuerza en la escena internacional durante la década que va de 1920 a 1930. Como en el caso de la música de otros países, la música cubana exhibe claramente dos caras de una misma moneda: una formada por elementos folklóricos y formas de expresión populares (que se transforman luego en comerciales), y otra, más abstracta y compleja, dentro de la cual algunos compositores cubanos han recorrido la difícil ruta de la música de arte. Esta última forma o manera de comunicación, llamada también música clásica, música erudita, música culta, música seria, o música de concierto, es la menos reconocida en el mercado internacional, y por su falta de exposición y por su innata complejidad ha sido casi totalmente ignorada por los propios cubanos.

La riqueza de la música cubana, principalmente en lo que se refiere al color instrumental y a la opulencia poderosa de sus patrones rítmicos, la hace contagiosa. Durante las décadas de 1920, 1930 y 1940, el bolero cubano, el son, la rumba y la conga viajaron por el mundo entero, a menudo como fórmulas comercializadas de tipo barato y vulgar.  La música cubana nace de una mezcla de las fórmulas del folklore musical español, de los ritmos africanos, éstos últimos traídos a Cuba por los esclavos negros y una mínima influencia francesa.

Pero es en el siglo veinte que la música cubana finalmente florece. Hasta los años de la Segunda Guerra Mundial, toda una falange de compositores cubanos de música popular habían creado enormes colecciones de canciones, danzones, sones, boleros, guajiras, guarachas, pregones, sones montunos, guaguancós, cha, cha chás, mambos, rumbas, congas y tangos congos.  Todos recordaremos a artistas cubanos importantes como: Celia Cruz, Willy Chirino y Gloria Estefan, entre otros que han hecho música reconocida y notable en varios países.

Por encima de tendencias, modos de hacer, postulados estéticos y actitudes histórico-políticas, tanto dentro del marco de la música popular como dentro del de la música de arte, la música cubana permanece vigorosa, activa, pujante, importante, potente e influyente. Si se toma en cuenta las dimensiones físicas de Cuba y la cantidad de sus habitantes, contando todos los que están dentro y fuera de la isla, el número de compositores, instrumentistas, cantantes y conjuntos musicales que ha producido Cuba es realmente notable. Es de esperar que la intensidad y la expresividad de la música cubana y el prestigio mundial de que goza continúen creciendo en años venideros. Baste señalar que, en el presente, la música de Cuba, en todas sus manifestaciones, constituye una poderosa revelación de la originalidad de la cultura cubana.

Espero les haya gustado este pequeño recorrido por las artes cubanas y les invito a seguir recorriendo conmigo algunos otros países de Latinoamérica, nuestro próximo destino: Venezuela!!!

Les dejo un enlace de una Habanera de Javier busto en versión coral: A tu lado... que lo disfruten!

http://www.youtube.com/watch?v=6M4zuXxRU14

Amigos, continuando con nuestro recorrido de la musica negra en estados unidos, encontramos que según las estadísticas, el mercado de esclavos africanos tuvo un saldo de 15 millones de hombres, mujeres y niños, vendidos en distintas zonas del mundo. La mayor parte de esta cifra fue a parar a América. Los campos de algodón y tabaco exigían mucha mano de obra. El negro africano era fuerte y trabajaba por un pequeño jornal: comida y choza.

Fuera de eso, nada tenía, excepto el recuerdo permanente de las danzas y cantos de su Africa natal. La música era fundamental para el africano. Y la música, agradecida, iba a ayudarle a soportar la angustia de la esclavitud. A fin de cuentas, el equipaje de un esclavo solo contenía ritmo y melodía.

 Naturalmente, los spirituals y los blues evolucionaron hasta crear su propio lenguaje: el del jazz.  Lenguaje de insistencia rítmica, timbres instrumentales insólitos difíciles de encontrar en otro tipo de música improvisación, y, en cuanto a las voces, desgarro de las mismas. Todo ello impregnado de una palabra mágica: swing. El alma del jazz. Algo que va más allá de la propia interpretación.

De esta forma distintos estilos empezaron a aflorar a partir de la emancipación de los esclavos, y se extienden entre mediados del s. XIX e inicios del s. XX. Las diferentes tendencias se suceden unas a otras, y cada estilo se apropia de algún elemento de su semejante: los "blues", lentos y tristes; el "rythm & blues", más fuertemente acentuado; el "gospel", resultante de la adaptación de melodías de himnos; el "ragtime", muy sincopado; y el "jazz", caracterizado por la improvisación.

 El blues se caracteriza por ser melancólico y lento, y es asociado muchas veces con la depresión.  Sus primeros intérpretes eran a menudo vagabundos o ciegos que llevaban sus cantos desde una comunidad negra a otra, transportándose en ferrocarriles y vagones y cantando sus canciones en las esquinas o sitios de comida callejera.  Este género fue asociado en sus inicios a gente de baja condición social, tocado en burdeles y tabernas y rechazado por la clase media y alta.

Se considera a Chicago el lugar del nacimiento del Góspel, genero que toma fuerza dentro de la música negra a partir del siglo XX.  Esta tendencia musical se centra en la repetición de frases con temas espirituales, con acompañamiento instrumental e intensidad rítmica.   La palabra original es GodSpell, que en castellano se traduce como "hechizo Dios". A esta forma de cantar se le denominó así ya que era un canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana. Es un género musical caracterizado por el uso dominante de coros con un uso excelente de la armonía.

Bueno amigos, los espero pronto pues nuestro recorrido continua en Cuba!!

Estos Son algunos videos de spirituals, blues, Jazz y gospel:

http://www.youtube.com/watch?v=ktz6WAKCR3g

http://www.youtube.com/watch?v=cMryIz0fg9s

http://www.youtube.com/watch?v=S4hPii_RVHE

http://www.youtube.com/watch?v=6jCNXASjzMY

ESTADOS UNIDOS Y EL ARTE AFROAMERICANO

Mi experiencia de la otredad comienza en Estados Unidos, especificamente donde nace la música afroamericana, tambien llamada música negra y con ella toda una cultura que vendría a desarrollarse con el transcurrir de los años hasta nuestros dias.  Se llama música negra a los sonidos provenientes del genero afroamericano, comunidad que se establece en Estados Unidos a raiz de la llegada de esclavos negros desde el continente africano al estado de virginia en 1619, trayendo consigo su cultura, su arte, su musica, su legado.

La comunidad afroamericana fue influenciada y transformada en tanto que el Black Minstrel conocida como una forma de comedia, danza y música con mucho entretenimiento llegara en el siglo XIX desde áfrica y se conviertiera en un suceso que desencadenaría grandes avances musicales y artísticos en la comunidad negra.

Otro evento que desarrollaría la música espiritual sucede en 1830, un gran despertar religioso de avivamiento es reflejado en los Spirituals, canciones que nacen de la mezcla de las canciones de trabajo con temas religiosos cristianos.

Los cantantes e instrumentistas negros tuvieron un desarrollo importante en su música durante este siglo, algunas agrupaciones musicales comenzaron a destacarse y cada vez mas la improvisación caracteristica principal del jazz comenzó a tomar fuerza.  Aparece tambien la música para comedia y opera interpretada por artistas negros.

En los años 1020 y 1930 se da un fenomeno cultural dentro de la comunidad negra afroamericana, el conocido "Renacimiento de Harlem" donde el arte de esta comunidad toma importancia entre los residentes de Harlem en Nueva York y se destaca la literatura, la pintura y la música Jazz de forma significativa a nivel de creación artistica.

 Ya en el siglo XX la música negra norteamericana se despliega en un sin fin de sonidos, creaciones, improvisaciones, ritmos y generos que enriquecerán en quehacer artístico de muchas naciones. Se populariza el Jazz y el Blues en la comunidad negra y comienzan a aparecer artistas blancos y latinos que fusionan sus ritmos a la sonoridad negra.  Se despiertan las artes audiovisuales y los artistas negros comienzan a aparecer en las filarmónicas, las operas y los grandes conciertos de música erudita participando en ellos instrumentistas de alta calidad.  En proximas publicaciones les continuaré relatando el transcurrir de las artes y la cultura afroamericana en el siglo XX y XXI y como llego a transformarse el Jazz, a nacer el R&B y los comienzos del gospel.  Nos vemos mochileros!!!